공연·전시

사진제공/예술의전당 [오재곤 기자]예술의전당(사장 고학찬)은 가우디움어소시에이츠, KBS와 공동으로 프랑스를 대표하는 여성 화가 마리 로랑생(1883-1956)의 국내 최초 특별전인 ‘마리 로랑생展-색채의 황홀’을 내년 3월 11일까지 개최한다. 황홀한 색채로 파리의 여성들을 화폭에 담아냈던 프랑스의 대표적인 여성 화가 마리 로랑생(1883-1956)의 작품을 국내 최초로 만날 수 있는 이번 전시는 프랑스 천재 시인 ‘기욤 아폴리네르’의 명시 ‘미라보 다리’의 주인공으로 한국인들에게 더 잘 알려진 마리 로랑생을 소개하는 대규모 회고전이다. 70여 점의 유화와 석판화, 수채화, 사진과 일러스트 등 총 160여 점의 작품이 한자리에서 관람객을 만나게 된다. 마크 샤갈과 함께 세계 미술사에서 색채를 가장 아름답게 표현해낸 작가로 손꼽히는 마리 로랑생은, 입체파와 야수파가 주류이던 당시 유럽 화단에서 누구도 흉내 낼 수 없는 자신만의 독창적인 스타일을 완성한 여성 화가다. 특별히 연극배우 박정자가 오디오 가이드를 녹음해 삶의 지혜가 녹아든 깊이 있는 목소리로 작품을 소개해 준다. 전시 기간 박정자 배우의 ‘마리로랑생 낭독콘서트’ 등 다채로운 부대행사도 마련돼 관람객 참여형 전시로 꾸며질 예정이다. ||사진제공/예술의전당 # 프랑스 천재 시인 ‘기욤 아폴리네르’의 명시, ‘미라보 다리’의 주인공, 마리로랑생 마리 로랑생은 1.2차 세계대전의 풍랑 속에서 영화나 연극보다 더 파란만장한 삶을 살았던 예술가였다. 여성 화가가 드물던 약 100여 년 전 마리 로랑생은 미술교육기관인 아카데미 앙베르에서 입체파의 창시자로 불리는 ‘조르주 브라크’에게 재능을 인정받으면서 본격적인 화가의 길을 걷게 된다. 이후 파블로 피카소의 작업실이자 전 세계에서 파리로 몰려든 젊은 예술가들의 아지트이기도 했던 세탁선(洗濯船: Bateau-Lavoir)을 드나들면서 기욤 아폴리네르, 막스 자코브, 앙리 루소 등과 어울리며 본격적으로 작품 세계를 일궈가며 ‘입체파의 소녀’ ‘몽마르트의 뮤즈’로 불리게 된다. 입체파와 야수파의 경향성을 작품에 두드러지게 드러내며 미술계에서 주목받는 작가로 활약하던 마리 로랑생은 피카소의 소개로 모더니즘의 선구자이자 시인인 기욤 아폴리네르와 열애에 빠진다. 하지만 두 사람의 열애는 엉뚱하게도 1911년 벌어진 루브르 박물관의 모나리자 도난 사건에 기욤 아폴리네르가 연루되면서 파국으로 치닫는다. 1912년 아폴리네르는 실연의 아픔을 담아 전 세계인이 사랑하는 명시가 된 ‘미라보다리’를 발표한다. 이후 1차 세계대전의 발발로 독일인 남작과의 결혼생활에 실패한 마리 로랑생은 색채에 대한 섬세하고 미묘한 사용과 자신만의 독특한 기법을 통해 그 어떤 예술가와도 다른 자신만의 화풍을 개척해 나가기 시작한다. 1920년대 전 세계에서 가장 사랑받는 초상화가로서 명성을 떨치며 여성 예술가로서의 위상을 확고히 한다. 이에 대해 전남대학교 미술사학과 정금희 교수는 “마리 로랑생은 윤곽선을 없앤 1차원적 평면성과 부드럽게 녹아드는 듯한 파스텔 색채만으로 평안함을 주는 형태를 완성했다”면서, “이는 그림을 통해 세상의 고통을 부드럽게 감싸 안으려 했던 작가의 의지가 반영된 것으로 볼 수 있다”고 평가했다.||사진제공/예술의전당 # 야수파의 소녀에서 파리지엥이 가장 사랑하는 화가 되어 황홀한 색채로 세상을 껴안다 ‘마리 로랑생-색채의 황홀’ 전시는 마리 로랑생이 20대 무명작가이던 시절부터 대가로서 73세의 나이로 죽기 직전까지 붓을 놓지 않았던 시절까지, 전 시기의 작품을 작가의 삶의 궤적에 따라 추적해가는 방식으로 구성됐다. 마리 로랑생과 관련된 사진 19점을 소개하는 도입부를 지나 1부 '청춘시대' 섹션에서는 마리 로랑생이 화가 브라크와 함께 파리의 아카데미 앙베르에 다녔던 시절 그렸던 풍경화와 정물화, 자신의 초상화와 피카소의 초상화 등이 소개된다. 2부 '열애시대'에서는 입체파와 야수파의 영향을 받은 흔적이 뚜렷이 나타나면서도 자신만의 고유한 스타일이 드러나기 시작한 작품들이 공개된다. 3부 '망명시대'는 아폴리네르와 헤어진 뒤 급하게 독일인 남작과 결혼하지만, 신혼생활이 시작되기도 전에 제1차 세계대전이 발발하여 스페인으로 망명 생활을 떠나게 된 시기로, 이 시기 작가가 느낀 고통과 비애, 외로움 등을 표현하며 자신만의 색깔을 더욱 강하게 드러내는 작품들이 선보인다. 4부 '열정의시대'에서는 1차 세계대전 이후 독일인 남편과 이혼한 뒤 마음의 고향이었던 프랑스 파리로 돌아와 본격적으로 자신의 예술 세계를 유럽은 물론 미국에까지 알리게 된 시기의 유화 작품들을 소개한다. 특히 4부에서는 1924년 마리 로랑생이 의상과 무대디자인을 담당해 큰 성공을 거둔 발레 '암사슴들'의 에칭 시리즈도 살펴볼 수 있다. 제5부 ‘콜라보레이션’ 섹션에서는 북 일러스트 작가로도 활동했던 작가의 성취를 살펴볼 수 있는 38점의 수채화와 일러스트 작품들이 전시된다. 작가는 노벨 문학상을 수상한 프랑스 대표 실존주의 작가 앙드레 지드가 쓴 ‘사랑의 시도’를 비롯해 오페라로 더 잘 알려진 알렉산더 뒤마의 '춘희', 영국 작가 루이스 캐럴의 '이상한 나라의 앨리스', 캐서린 맨스필드의 '가든파티' 등의 북 커버와 책 안의 일러스트를 담당했다. ||사진제공/예술의전당 이 밖에서도 이번 전시에는 마리 로랑생으로부터 영감을 받아 쓴 아폴리네르의 시집 '알코올'을 비롯해 마리 로랑생이 1942년 출간한 시집 겸 수필집 '밤의 수첩' 등이 전시된다. 또 시를 직접 필사해보고 시 낭송을 감상해보는 특별한 코너도 마련됐다. # 소설이나 영화보다 더 드라마틱했던 마리 로랑생의 색채 가득한 삶 프랑스 천재 시인 기욤 아폴리네르의 명시(名詩) '미라보 다리'의 실제 주인공인 마리 로랑생(1883~1956)은 프랑스를 대표하는 여성 화가이자 시인이며 북 일러스트 작가이기도 했다. 세계 미술사에서 마크 샤갈과 함께 색채를 가장 아름답게 표현해낸 작가로 손꼽히는 그녀는 무엇보다 색채에 대한 자신만의 매혹적인 감각으로 사람들을 매료시켰다. 그 무엇과도 비교할 수 없는 황홀한 핑크와 옅은 블루, 청록색, 우수가 감도는 회색 등은 마리 로랑생의 작품을 보면 누구나 한 번에 알 수 있도록 만들었다. 마리 로랑생은 작품에 대해 지적인 관념을 대입하는 것을 격렬하게 거부했다. 그녀는 오롯이 본능과 직관에 따라 그림을 그는 화가였다. 아름답고 젊은 여성들과 형체가 모호한 동물들이 풀밭에 들어찬 몽환적인 세계에 대한 자신의 시선을 끊임없이 담아냈다. 만약 그녀가 자신만의 환상과 직관을 갖지 못했다면, 마리 로랑생은 입체파나 다다이즘의 추종자 신세를 벗어나지 못했을 것이다. 파블로 피카소, 조지스 블라크, 앙리 루소 등 야수파와 큐비즘을 대표하는 작가들과 교류하면서 영향을 받으면서도 이들과는 전혀 다른 자신만의 스타일을 완성해낸 여성 화가라는 점에서 마리 로랑생이 서양 미술사에서 차지하는 위상은 적지 않다. 마리 로랑생은 남성의 관점에서 여성을 바라봤던 서양미술사의 흐름에서 탈피해 여자의 눈으로 응시한 그들의 모습과 여성성을 포착해낸 최초의 여성 화가라고도 할 수 있다.||사진제공/예술의전당 # 가장 아름다운 ‘벨 에포크’ 시대에 만난 운명의 연인 ‘아폴리네르’ 아울러 마리 로랑생은 1차 세계대전이 일어나기 전이었던 19세기 말부터 20세기 초까지 평화와 번영이 계속되면서 전 세계 예술가들이 몰려들었던 파리의 시기를 지칭하는 '벨 에포크' 시대를 대표하는 작가로, '예술가의 예술가'라 불리기도 한다. 우리말로 '아름다운 시절'이란 뜻을 담은 이 시기와 1.2차 세계대전을 전후해 마리 로랑생은 피카소와 아폴리네르는 물론 장 콕토, 앙드레 지드, 마리아 릴케, 코코 샤넬, 헬레나 루빈스타인, 서머셋 몸에 이르기까지 당대의 예술가들과 활발하게 교류했다. 그 시작은 피카소가 가난한 무명작가이던 시절, 몽마르트르의 허름한 건물 바토 라부아르(세탁선)에서부터 시작됐다. 화가 브라크의 소개로 젊은 작가들의 아지트이던 이곳을 드나들던 스무 살의 마리 로랑생은 아름답고 쾌활하며 묘한 매력을 발산해 예술가들에게 영감을 주는 뮤즈가 됐다. 피카소의 소개로 훗날 모더니즘 문학의 선구자로 불리게 되는 기욤 아폴리네르와 사랑에 빠지게 된다. 그들은 모두 사생아였고 이는 둘 사이의 묘한 동질감을 형성하는데 큰 영향을 미치게 된다. 마리와 사랑에 빠진 아폴리네르는 “마리 로랑생의 예술은 우리 시대의 명예”라는 헌사를 바치며 마리의 작품 세계를 알리는 데 노력했다. ||사진제공/예술의전당 # 이루어지지 않은 사랑은 아폴리네르의 名詩 ‘미라보 다리’ 되어, 프랑스인들의 가슴 속에 영원히 남다 그러나 5년간의 짧은 사랑은 기욤 아폴리네르가 루브르 박물관의 모나리자 도난 사건의 주범으로 몰리게 되면서 파국을 맞는다. 어머니의 급작스러운 죽음 속에서 마리 로랑생은 독일 귀족 출신의 화가로 연하였던 오토 폰 바예첸 남작과 결혼을 감행한다. 1912년 '파리의 야회'지(誌) 2월호에 기욤 아폴리네르는 '미라보 다리'를 발표하면서 실연의 아픔과 상실감을 드러냈다. 이 시는 프랑스를 대표하는 시가 됐고, 5년간 뜨겁게 사랑을 불태웠던 마리 로랑생과의 결별을 아쉬워하는 시인의 마음을 표현했다. 이 시는 세계적인 샹송 가수인 이베뜨 지로(Yvette Giraud)와 음유시인 레오 페레(leo Ferre) 등이 불러 불후의 명곡이 됐고 프랑스를 대표하는 노래로 불린다. 미라보 다리 아래 센 강은 흐르고 우리의 사랑도 흘러내린다. 내 마음 깊이 아로새기리 기쁨은 늘 고통 뒤에 온다는 것을. 밤이여 오라, 종아 울려라 세월은 가고 나는 남는다. ('미라보다리' 중에서) 마리 로랑생 또한 아폴리네르가 1차 세계대전 참전으로 얻은 부상으로 사망하자 그를 그리며 시를 쓴다. '밤의 수첩'에 수록된 이 시는 한국에는 '잊혀진 여인'으로 널리 알려졌으나 원제는 '진정제'이다. 지리 하다고 하기보다 슬퍼요 슬프다기 보다 불행해요 불행하기보다 병들었어요. 병들었다기보다 버림받았어요. 버림받았다기 보다 나홀로. 나 홀로라기 보다 쫓겨났어요. 쫓겨났다기 보다 죽어 있어요. 죽었다기 보다 잊혀졌어요. 마리 로랑생이 헤어진 연인 기욤 아폴리네르를 그리면서 이 같은 시를 썼을 때 그녀는 1차 세계대전을 피해 독일인 남편 오토와 스페인으로 유랑하던 시절이었다. 결혼 후 불과 1개월 만에 터진 1차 세계대전은 독일인 남편과 프랑스인 부인의 신혼생활에는 재앙과도 같았다. 독일과 프랑스 어디에도 돌아갈 수 없었던 마리 부부는 스페인을 도피처 삼아 부유하는 삶을 살아야 했다. ||사진제공/예술의전당 여기에 남편 오토의 알코올 중독과 방탕한 생활은 마리의 정신 상태를 극한으로 내몬다. 이때 그녀를 구원한 것은 오로지 그림과 문학이었다. 남편 오토와의 이혼 이후 1920년대 장 콕토를 비롯한 프랑스 예술가들의 탄원을 통해 프랑스 국적을 회복하고 파리로 되돌아올 수 있었던 마리 로랑생은 비로소 자신의 예술 세계를 꽃피우게 된다. # “나를 열광시키는 것은 오직 그림이며, 그림만이 영원히 나를 괴롭히는 진정한 가치이다“ 1920년대부터 1930년대까지 10년간 그녀는 예술 활동에 집중했다. 명사들의 초상화 주문이 끊이지 않았고 의상과 무대 디자인은 물론 도서와 잡지 표지에 이르기까지 그녀를 필요로 하는 이들은 넘쳐났다. 그러나 2차 세계대전을 전후로 악화된 건강과 사회적인 고립으로 인해 마리 로랑생의 작품은 정형화되기 시작한다. 그리해 1950년대 그녀의 작품은 완전히 잊혀지지는 않았으나 지난 시대의 유물처럼 여겨지기 시작했다. 노 작가는 일흔이 넘은 나이에도 매일 캔버스 앞에 앉아 그림을 그렸고 죽기 며칠 전까지 “내게 그림을 그리는 재능이 더 있었더라면!”이라고 탄식할 정도로 예술 혼을 불태웠던 위대한 예술가였다. 1956년 6월 8일 일요일 밤, 심장 마비로 자택에서 숨을 거둔 마리 로랑생은 오스카 와일드와 쇼팽 등이 잠든 페르 라셰즈 공동묘지(Pere Lachaise Cemetery)에 안장된다. 한 손에는 흰 색 장미를 다른 한 손에는 운명적 사랑을 나눴던 시인 기욤 아폴리네르에게 받은 편지 다발을 든 채였다.

사진제공/예술의전당 [오재곤 기자]예술의전당(사장 고학찬)은 이달 22일부터 내년 2월 4일까지 서울서예박물관에서 예술의전당 서예박물관 20세기 서화미술거장1 ‘김종영 - 붓으로 조각하다 Kimchongyung Sculpture with a Brush’展을 개최한다. 이번 전시는 예술의전당과 김종영미술관이 공동으로 주최하는 전시로, 한국 추상조각의 선구자로 불리는 ‘우성 김종영’의 폭 넓은 예술 세계를 재조명하고, 김종영의 조각 작품 외에도 서화, 서예, 드로잉, 사진과 유품 등 180여 점이 전시될 예정이다. 특히 김종영이 애장했던 추사 김정희의 ‘완당집고첩阮堂執古帖’을 전시한다. 이 서첩은 본 전시에서 최초로 공개된다. 오는 29일 오후 1시 30분 ‘김종영과 자코메티 - 동서 현대조각의 대화’를 주제로 포럼이, 내년 1월 13일 오전 10시 30분에는 김종영의 예술세계를 재평가하는 학술대회가 개최된다. 지난 1988년 문을 연 예술의전당 서울서예박물관은 2년의 리모델링 과정을 거쳐 2016년 3월 1일 재개관 후, ‘서(書)’를 키워드로 현대미술을 관통하고 한국은 물론 동아시아 세계 필묵(筆墨)공동체의 구심점을 지향하고 있다. 또 ‘20세기 서화미술거장전’ 시리즈는 정보통신이 주도하는 현대 사회에서 가장 인간적인 예술인 서예의 현재와 미래 방향을 모색키 위한 전시이다. 지난 식민지 서구화로 대변되는 20세기는 ‘서화(書畵)’에서 미술로 넘어가는 전환기였던 만큼, 한국 미술계에는 전통과 현대, 동서 문화가 뒤바뀌는 대 변혁기에 걸맞은 역할을 감당할 인물이 절실했다. ||사진제공/예술의전당 이번 시리즈는 서화와 미술 모두에 정통하여 상호 비교분석하고 융합해 세계 속의 한국미술을 창달하는 데 이바지할 작가를 찾아 그 예술세계를 재조명하는데 그 의의가 있다. ‘한국 현대 추상조각의 아버지’로 불리는 우성 김종영은 사실 전통 서예와 서화에서도 큰 업적을 남겼다. 이와 함께 우리는 김종영의 조각언어를 ‘전통과 현대의 일치’ 또는 ‘내재적인 것과 외래적인 것의 통합’이라는 결정적인 해독의 키워드로 온전하게 읽어낼 필요가 있다. 김종영 예술 위업의 진정한 가치는 20세기 서화(書畵)에서 미술로의 대전환기에 ‘사의(寫意)’라는 동양전통으로 ‘추상(抽象)’이라는 서구현대를 녹여내면서 동서예술의 나아갈 방향을 실천적으로 제시하고 있다. 이번 전시는 김종영의 조각이 서예나 문인화와 떼려야 뗄 수 없는 관계에 있고, 더 나아가서는 그의 ‘불각(不刻)’이라는 조각언어가 철저히 일상생활 속 통찰과 비판적 해석에서 탄생된 것에 주안점을 두고 총 6개의 테마로 전시를 구성했다. 첫 번째 섹션 는 김종영 예술세계의 정수를 한 눈에 살펴 볼 수 있는 공간이다. ‘불각재不刻齋’는 김종영이 자신의 작업실 편액을 염두에 두고 쓴 작품으로, 깎아 형상을 만드는 것이 업인 조각가가 자신의 작업실을 불각, 즉 ‘깎지 않는 곳’이라고 했으나 일종의 모순이다. 김종영은 자신의 서예작품에 낙관할 때 ‘불각도인不刻道人’이라고도 하고, ‘각도인刻道人’이라고도했다,. 년도를 확인 할 수 있는 작품 중에 각도인이라 낙관한 작품은 1949년부터 찾아볼 수 있다. 반면, 불각도인은 1974년부터로, 시간이 지나면서 점차 그는 역설을 추구하게 된 것이라 할 수 있다. 실제로 그는 ‘不刻의 美’라는 글을 남기기도 했다. ||사진제공/예술의전당 이 글을 살펴보면 1964년 경 그는 고대 중국인들이 ‘불각의 미’를 숭상한 이유가 인위적인 것을 최소화 한 자연스러움의 미를 추구한 것과 함께 형체보다도 뜻을 중히 여겼기 때문이라고 했다. 결국 자연스럽고 단순한 ‘불각의 미’는 ‘졸박(拙朴)의 미’와도 일맥상통하다. ‘졸박’의 의미가 ‘꾸밈이 없고 자연스러우며, 지혜를 써서 꾸미지 않는 것’이기 때문이다. 특히 ‘졸박의 미’는 조선의 선비들이 추구했던 미학이다. 김종영이 선비의 미학에 입각한 조각가였음을 짐작할 수 있는 대목으로, 불각의 미를 추구한 김종영은 복잡하고 정교한 기법을 싫어했다. 그 이유는 숙달된 특유의 기법이 자신의 예술 활동에 꼭 필요하다고 생각하지 않았기 때문으로, 그는 가능한 단순한 표현과 기법을 추구했고, 자신의 지향점을 ‘표현은 단순하게, 내용은 풍부하게’라고 매우 함축적으로 정리했다. 두 번째 섹션은 ‘초월을 잉태하다’[전통체득 시기 : 1915(1세)~29(15세) / 창원]로, 우리에게 가장 친숙한 동요 ‘고향의 봄’에 나오는 ‘꽃 대궐’이 바로 경남 창원 소답동에 위치한 김종영의 생가이다. 김종영은 증조부와 조부 모두 정3품 벼슬을 지낸 영남명문사대부집안의 23대 장손으로 태어났다. 그의 7대조가 무오사화(1498) 때 화를 입은 영남사림의 영수 탁영(濯纓) 김일손이다. 한편 부친은 일제강점기였기에 일생을 향리에서 처서로 지냈다. 현재 생가로 알려진 본가 옆에 ’사미루(四美樓)‘ 별채가 있다. 본가와 별채는 1926년 김종영이 11살 때 상량했고 본가는 1940년 지금의 자리로 이건한 것이다. 별채를 ’사미루‘라 하는 이유는 문간채 2층 처마에 건 현판이 석촌 윤용구가 쓴 사미루이기 때문으로, 그의 증조부 김영규는 별채를 짓고 구문(求文)이라 편액했다. 1928년 그는 구문정의 주인으로 시를 지어 원운(原韻)으로 해 각지의 문사들에게 차운(次韻)한 시를 받아 판각해 구문정에 걸어놓았다. 구문정 기문은 규장각 부제학을 지낸 정만조가 지었다. 김종영은 ‘선서(善書)이며 학예장(學藝長)’, 즉 글씨를 잘 쓰고 학예에 능했던 부친의 교육과 함께 이런 시회(詩會)와 여러 문사들과의 교류를 지켜보면서자랐다. 그는 당시 조선 사대부의 학예 전통을 가풍으로 익히게 된 것이다. 한마디로 김종영은 당시 여느 미술학도와 달리 조선 사대부의 고급문화를 어릴 적부터 체화한 것이다.||사진제공/예술의전당 세 번째 섹션 ‘너를 찾아서 [현대수용 시기: 1930(16세)~47(33세) / 휘문고보-동경예대]이다. 김종영의 집안내력으로 볼 때 그가 조각을 선택한 것은 의외일 수 있다. 그가 조각을 전공한 계기는 휘문고보시절 은사인 장발의 인도였다고 알려져 있으나, 그의 친구 박갑성에 의하면 김종영이 조각을 선택한 이유는 조각전통이 상대적으로 취약한 우리이기에 식민시절 서구미술을 객관적으로 수용하기 위한 것이라고 추측한다. 한편 김종영이 선비가 갖춰야 할 수준 높은 학예(學藝)를 가학(家學)으로 익혀 체화했기에 그가 서양미술을 전공하면서도 이해하고 수용하는 폭이 동년배 미술인들과는 다를 수밖에 없었다. 당시 미술을 전공하기 위해서는 국내 미술대학이 없는 관계로 일본 유학은 필수였다. 이러한 이유로 당시 미술을 전공한 사람들은 대부분 부유한 집안의 자제들이었다. 하지만 명문사대부 집안 출신은 김종영 이외에 찾아보기가 어렵다. 당시 대부분의 미술전공자들이 개화론자의 입장과 유사하게 전통 서화를 비하했다. 심지어 이한복과 같은 동양화가들은 서예와 사군자는 소인(素人), 즉 비전문가가 하는 것이니 조선미술전람회에서 퇴출시켜야 한다고 총독부에 청원했고, 실제로 퇴출됐다. 그때 김종영은 휘문고보 2학년으로 동아일보사가 주최한 제3회 전조선학생미술전람회 습자(서예)부분에서 전국 장원을 했다. 그는 당시 수상 인터뷰에서 수상하기까지는 부친의 지도가 있었음을 밝혔다. 부친의 한학과 서예에 대한 지도는 김종영이 서양 미술 조각을 전공키 위해 동경에 유학하던 때에도 지속됐다. 특히 당시 부자간에 주고받은 서신을 통해 이를 확인할 수 있고, 그 내용을 통해 수준을 짐작할 수 있다. 김종영은 서화에 대한 정수를 이해하고 있었기에 미술을 서예에 ‘격의(格義)’해 주체적으로 수용할 수 있었다. 그러므로 그가 동경유학시절 오로지 인체를 똑같이 만드는 것에 열심인 학교분위기에 불만족스러웠던 것은 당연한 것이었다. 결과적으로 이런 불만이 그의 작업에서 왜색이라고는 찾아 볼 수 없는 근본 원인이 됐다. ||사진제공/예술의전당 네 번째 섹션은 ‘동서예술 통찰과 추상미술[실험시기: 1948(34세)~1963(49) / 서울대]’이다. 1955년 11월에 쓴 그의 단상을 보면 소박한 듯하지만, 당시 시대 상황을 고려했을 때 그는 대단히 원대한 포부를 갖고 있었다. 그러기 위해서 작가로서 그의 태도는 남달랐다. 대등한 입장에서 동서미술을 통찰해 상호 부족한 점을 보완, 혼융키 위해 노력했다. 어려서부터 체화된 서예의 학습방법인 임서(臨書)를 토대로 서구 미술을 연구했다. 당시 작업실이 없어 방학이면 학생들과 같이 빈 실기실에서 작업하면서도 그는 외국작가의 작품집을 펼쳐놓고 깊이 관찰하며 세밀하게 따라 제작했다. 이와 함께 김종영은 서구추상미술의 태동과 그간의 흐름을 스스로 연구하면서 대표적인 작가들의 목록을 작성하고 간략히 평하며 정리하는 것도 병행했다. 주목할 것은 그는 그런 흐름을 서화의 전통과 비교 성찰하는 것을 병행했다는 점으로, 그는 평론가의 여하한 비평에 대해서도 일희일비하지 않고 용기와 소신을 가지고 자신만의 일정에 맞춰 작업에 정진해 나갔다. 다섯 번 째 섹션은 ‘역사와 실존의 대화’로, 1964년 1월 1일 일기에 김종영은 “지금까지의 제작생활을 실험과정이었다고 하면 이제부터는 종합을 해야 할 것이다”라고 적었다. 50이라는 나이에 본격적으로 자신의 작업을 시작하겠다고 다짐한 것이다. 이후 환갑을 바라볼 즈음 조각가 김종영은 다시 서화(書畫)로 회귀해 자신을 성찰했다. 김종영이 생전에 추사 김정희를 자신의 사표로 삼았기에 추사고택을 찾아 영전에 절을 한 일화는 널리 알려져 있다. ||사진제공/예술의전당 특히 김종영은 생전에 ‘완당집고첩(阮堂執古帖)’을 애장해 즐겨 감상했다. 이 서첩 첫 장은 ‘유희삼매(遊戱三昧)’로 시작한다. 그 다음은 고인개집고(古人皆執古) 불사동아비(不辭凍餓悲), 즉 ‘옛 사람은 모두 옛 도를 지키면서 추위와 배고픔을 마다하지 않았네’라고 시작하는 오언절구 시이다. 김종영이 ‘유희삼매(遊戱三昧)’를 예서로 쓰고, ‘세한도’를 그리고 ‘유희삼매’와 ‘완당과 세잔느’라는 제목의 단상을 쓴 것이 이 서첩을 즐겨 감상한 결과라고 해도 과언이 아니다. 김종영은 고희동과 여타 1920년대 미술인들이 힐난한 서화가들의 행태, 즉 옛 것을 그저 베끼기만 하는 것으로 오인된 방작과 임서를 묵묵히 시행했다. 안진경의 ‘쟁자위고(爭座位稿)’를 임서했고, 겸재 정선의 ‘만폭동도’를 방작했다. 40여 년 전 임서했고, 사생해봤기 때문에 안진경과 만폭동은 김종영에게 매우 익숙한 대상이다. 환갑을 바라보는 김종영이 임서와 방작을 했다는 것은 모든 서화가가 지향하는 ‘입고출신(入古出新)’하기 위해서는 대가일지라도 반드시 지속적으로 해야 하는 학습법임을 잘 알고 있었기 때문으로, 출신(出新)한 작업들이 ‘북한산’과 같은 드로잉작업이다. 끝으로 여섯 번 째 섹션은 ‘생명의 근원에서[완성기: 1964(50세)~82(68세) / 삼선동]’ 이다. 추사를 사표로 삼은 김종영이 ‘입고출신(入古出新)’해 궁극으로 지향했던 바는 ‘유희삼매(遊戱三昧)’의 경지에 도달해 느낄 수 있는 자유였다. 그래서 그는 “작가에게 작업하는 시간이 쉬는 시간이고, 손을 쉬는 시간은 온갖 잡생각을 해야 하고 생활을 고민해야 하는 괴로운 시간”이라면서, “유희란 것이 아무 목적 없이 순수한 즐거움과 무엇에 구애받지 않는 자유에서 이루어지는 것이라면 다분히 예술의 바탕과 상통된다고 보겠다. 동서고금을 통하여 위대한 예술적 업적을 남긴 사람들은 모두 ‘헛된 노력’에 일생을 바친 사람들이다. 현실적인 이해를 떠난 일에 몰두할 수 있는 유희적 태도를 가질 수 있는 마음의 여유 없이는 예술의 진전을 볼 수 없다”고 말했다. 예술가로서 김종영의 삶은 동양과 서양을 혈연관통(豁然貫通)해 진정한 ‘입어유법(入於有法) 출어무법(出於無法) 아용아법(我用我法)’한 것이었다.