공연·전시

극단 ‘리체데이’의 창시자이자 극단 ‘데레보’의 리더 안톤 아다진스키의 스승이었던 슬라바 폴루닌‘은 전통 광대극을 현대의 새로운 예술장르로 부활시킨 세계 광대 예술의 대부로 불린다. 17세 때 엔지니어링과 회계를 공부하기 위해 상트페테르부르크로 이주한 그는 우연히 마임 공연을 관람한 이후 마임에 매료돼 모든 계획을 접고 상트페테르부르크 마임 스튜디오에서 관대예술에 입문, 1979년 ‘리체데이’ 극단을 창단하면서 광대예술의 위대한 전통을 다시 부활시키기 위해 연극적 구성과 마임을 가미한 새로운 장르의 광대예술을 개척했다. 그는 ‘리체데이’의 색다른 작품들로 일반 대중 속을 파고 들었고, 언어의 힘으로는 도저히 전달할 수 없는 숭고함과 슬픔, 그리고 감동을 선사하면서 러시아의 대표적인 광대예술가로 자리매김하게 됐다. 1993년 러시아에서 초연된 ‘스노우쇼’는 지난 20여 년 간 전 세계 100여 개 도시, 수천만 관객의 마음을 홀린 작품으로, 사람의 마음을 움직이는 것도 화려한 언어도, 뛰어난 테크놀로지도 아닌 아날로그의 따뜻함을 전달한다. 특히 공연을 보는 내내 벅찬 행복과 슬픔, 위로가 가득한 감동을 건네주는 이 작품은 이 시대 최고의 광대, 슬라바 플루닌의 오랜 작업 아이디어와 경험에서 우러나온 광대예술의 정수와도 같은 작품이다. 그는 막스 밀러, 찰리 채플린, 마르셀 마루소 등과 같은 세계적인 아티스트들의 뒤를 이어 21세기 광대 예술의 계보를 이어가고 있는 대가로 인정받고 있는 인물이다. 이 시대 최고의 광대 ‘슬라바 플루닌’을 서면으로 만났다. Q. ‘스노우쇼’를 보면, 당신의 유년 시절이 궁금해진다.A. 저는 러시아의 작은 마을에서 태어났습니다. 저희 가족은 예술 쪽이나 공연 비즈니스와는 거리가 멀었고, 저는 어렸을 때 찰리 채플린의 ‘kid’를 보고 깊은 감명을 받았다. 곧바로 지팡이를 만들어 찰리 채플린의 걸음거리를 따라 했고, 친구들은 그런 모습을 보면서 웃었다. 아마 그 때쯤 제 미래에 대해 막연하게 생각하기 시작한 것 같다. 저는 제가 광대로 태어났다고 생각하지만, 실제로 광대가 되고자 하는 열망은 훨씬 후에 나타났지요. Q. 전문 광대는 어떻게 되었는지요.A. 연기는 판토마임으로 시작했습니다. 저는 이 신비로운 무성 예술에 빠져들었지요. 몇 년 동안을 기괴한 판토마임을 하는데 많은 시간을 보냈습니다. 주로 제 공연 파트너인 Alexander Skvortsov와 작업을 했고 우리 둘은 곧바로 관객들에게 많은 인기를 얻어 러시아 전역의 저명한 공연장에 설 수 있었습니다.||그 후 80 년대에 들어서는 슬라바(혹은 아시사이)라는 제 광대 캐릭터를 만들었는데 그는 제가 관객들을 웃게만 만드는 게 아니라 ‘슬프고 착하고 상냥하게 소통하는 법’을 알려주었습니다. 광대가 되기 위해 여러 가지 노력을 했습니다. 몸을 더 유연하게 만들 수 있도록 혹독한 발레 트레이닝에서 세계 연극, 서커스, 엔터테인먼트, 카바레, 영화 등 다양한 경험에 대한 연구도 했습니다. 외부적으로 ‘신, 부모 혹은 자연으로부터’ 받는 천부적 재능은 밑바탕에 불과합니다. 마치 내 속과 노력으로 집을 지을 때 필요한 기반이나 마찬가지이죠. 집이 어떻게 지어질지는 결국 본인이 얼마만큼의 노력을 기울이는지에 달려있습니다. Q. ‘스노우쇼’를 어떻게 구상하고, 이 작품을 통해 보여주고자 한 것은 무엇인지요?A. 이 공연은 사실 발표하기 20년 전부터 구상한 것으로, 제가 가장 좋아하는 주제와 아이템들로 구성했습니다. 어떻게 보면 저 자신을 최대한 잘 표현하기 위해 오랫동안 영감이 되는 아이템들을 조금씩 조금씩 수집하면서 이 작품이 만들어진 거나 마찬가지입니다. 그리고 이 쇼의 많은 부분들은 제 유년시절의 기억, 특히 러시아의 하얀 눈이 큰 영감을 주었습니다.이 작품은 어린 시절의 여행입니다. 꿈 많은 유년 시절, 눈 덮인 유년 시절로 돌아가, 그때 그 시절의 꿈과 기대에 흠뻑 젖어보는 겁니다. 우리가 어렸을 때만 느낄 수 있었던, 알록달록한 컬러플한 세상, 솔직한 감정, 작지만 소중한 디테일의 세계로 여행을 떠나는 거죠. 그리고 무엇보다 가장 중요한 것은 관객 개개인이 (이 공연을 보면서) 자신의 이야기를 떠올릴 수 있다는 겁니다. 또한 다른 연극 예술과 마찬가지로 이 극에서 가장 마술 같은 점은 관객과의 교감입니다. 대사가 아닌, 연기자와 관객들 사이에서만 느낄 수 있는 보이지 않는 이 미묘한 교감이 극장에 마법을 일으키는 작품입니다. Q. 서커스와 광대극(예술)의 차이점은?A. 서커스가 시적인 아름다움을 잃고 기술과 속임수를 선호하기 시작하면서 광대들은 영화, 극장 혹은 거리 공연을 하러 떠났습니다. 그 곳에서 그들은 자유와 자신들만의 공간을 얻었고, 그로써 그들은 서커스 단원의 머릿수만 채우는 존재가 아닌 그들 공연의 주인이 되었습니다...광대들은 자신의 세계를 창조하는 사람들입니다...저는 광대연기가 서커스 장르나 엔터테인먼트적 요소를 넘어 더 넓은 의미를 가지고 있다고 생각합니다. ||Q. 당신이 운영하는 ‘바보들의 아카데미’에서는 무엇을 가르치고 있는지?A. ‘바보들의 아카데미’는 어떻게 하면 인생을 즐겁고 행복하게 사는 지 아는 사람들이 모여 서로가 서로한테 배우는 곳입니다. 이곳은 세상의 심각함과 허영에 반대해 인생을 즐겁게 사는 것을 추구합니다. 오늘날 현대인들은 자신의 진로, 걱정, 수입 등에 너무 치중한 나머지 삶의 즐거움을 망각합니다. 꽃향기를 맡고, 새들의 노래를 듣고, 여름 날 잔디밭에 누워서 별들을 감상하는 법을 잊어버린 겁니다. ‘바보들의 아카데미’의 가장 큰 목적은 이런 소소한 일들이 우리 삶에서 잊혀지지 않게 하는 것입니다. 우리의 인생에서는 이렇게 작지만 중요한 일이 수없이 많습니다. 이런 것들을 놓치고 산다면 사람들은 심각함에 빠져 미소 짓는 법도 잊어버릴지 모릅니다. 광대가 행복할수록 관객들도 행복해 집니다. 그래서 저는 행복한 사람들만 팀원으로 선정합니다. 그것이 제 비밀/비법입니다. Q. 당신 이름 앞에 ‘세계 최대의 광대’라는 수식어가 붙는데, 이런 명성은 본인에게 어떤 의미가 있는지?A. 물론 감사하다. 그리고 막중한 책임감을 느껴요. 그러나 저는 ‘바보들의 아카데미’의 대통령이란 칭호를 더 좋아합니다. 제가 Academy를 창단했을 때 스스로에게 준 직위입니다. 또한 덴마크의 여왕이 지어준 ‘안데르센(동화작가 안데르센은 덴마크 출신임)의 러시아 특사’라는 칭호도 좋아합니다. Q. ‘스노우쇼’가 전 세계적으로 인기 있는 비결은 무엇이고, 작품에 대한 영감은 어디에서 얻는지?A. 우리 공연이 ‘무언극’이라는 점은 우리가 오랫동안 전 세계를 성공적으로 투어 할 수 있었던 이유라고 생각합니다...그리고 모두의 인생과 관련 있는, 단순하지만 영원히 지속되는 중요한 요소들, 즉, 우정, 고독, 삶과 죽음에 대해 이야기하기 때문인 것 같습니다. 또 그러한 주제들은 독창적으로 표현하고자 하기 때문이고요. 끝으로 제가 이 세상에 대해 감탄하고 이곳에 있음을 행복하게 생각하는데 관객들이 그걸 같이 느끼고 싶어 하는 것이 아닌가...생각합니다. 또 작품에 대한 영감은 자연, 아이들, 그리고 책. 저는 책 읽기를 정말 좋아해요. 평생동안 수집하고 즐겨 읽은 책들로 이뤄진 큰 사서를 갖고 있습니다. 공연에 있어서는 시각적으로 생동감 넘치는 공연들을 좋아합니다. 그래서인지 피나 바우쉬와 로버트 윌슨의 공연들을 좋아합니다. Q. 앞으로의 계획에 대해서 말씀해주세요.A. 어는 순간부터 제 삶과 예술을 분리해서 생각하지 않기 시작했습니다. 그러므로 저한테 일어나는 모든 일은 그것이 중요하든 중요하지 않든 저에게는 동등하게 소중한 일입니다. 오늘 저는 러시아의 가장 큰 서커스단의 수장이며 새로운 극을 만들고 선보이는 극단을 소유하고 있기도 합니다. 지구 곳곳의 다양한 도시에서 큰 규모의 거리 이벤트도 선보이고 현재 책을 집필하고 있기도 합니다. 그래서 저는 심심할 겨를이 없습니다.(2013년 초 스라바는 러시아에서 가장 오래되고 가장 큰 서커스단인 상트페테르부르크 볼쇼이서커스단의 예술감독으로 임명됐다)

대학로는 특별한 곳이다. 문화 예술이란 나무가 자라고 꽃피우는. 열정을 가지고 활동하는 작은 극단들이 꾸는 꿈은 그들이 보여주고 싶은 것을 관객들과 나누는 것 뿐 이지만 점점 어려워진다. 그렇게 사라져가던 꿈이 되살아났다. 극단 ‘푸른 달’ 이야기이다. ‘푸른 달의 기적’ 그 중심에 있는 ‘대장’ 박진신 연출을 만났다.Q. 공연에 처음 관심을 갖게 된 계기가 있다면 소개해주세요.A. 어머니 손잡고 간 롯데월드 예술극장에서 ‘레미제라블’하고 ‘웨스트사이드 스토리’ 뮤지컬 공연을 봤었다. 중학교 때 집에 가는데 ‘웨스트사이드 스토리’의 ‘투나잇’이 흘러나왔다. 물론 당시에는 그 음악이 ‘웨스트사이드 스토리’의 곡인지도 몰랐다. 다만, 어렸을 때부터 머릿속에 남아 있었던 음악이어서 어떤 음악이냐고 물어봤더니 ‘뮤지컬’이라고 이야기를 해주더라. 그때 ‘아! 공연이란 사람들한테 음률이나 이야기가 남겨질 수 있는 거구나.’라는 생각이 들었다. 기억력이 나쁜데(웃음) 기억 속에 남아있다는 게 신기했다. Q. 연극하면서 제일 즐거운 순간은 언제인가?A. ‘이렇게 힘든 게 행복이구나.’하는 걸 매번 느낀다. 현실에서 꿈꾼다는 건 정말 힘들다고 생각한다. 가끔 다른 현장에 가서 일을 하거나 아르바이트를 한다. 하고 싶은 일을 위해서 원치 않는 일들을 할 때가 있다. 그럴 때면 사람들한테 동정을 되게 많이 받는다. 빨리 그만 두라고. 그런데 그분들하고 비교해보면 내가 더 행복한 것 같다. 너무 힘들지만 이렇게 힘들 수 있다는 게 고맙다. Q. 영향을 받은 작품이 있는가?A. 1997년도에 ‘고도를 기다리며’를 보고 연극에 대해 깊이 생각하게 되었다. 삶에서 얻어야하는 것은 답이 아니라 질문인 것 같다. 인간은 어떻게 살아야 되는가, 나는 어떻게 살 것인가, 무엇을 추구하는가, 내 꿈은 무엇인가. Q. 글을 보면 힘든 상황들이 계속되어져 왔던 것 같다. 그럼에도 포기하지 않고 계속 이어올 수 있었던 원동력은 무엇인가?A. 아버지가 해주신 말씀이 모토가 되었다. 너무 많이 힘들지만 어쩌다 단 하루 웃는 날이 있는데 그 날을 보고 산다고 하시더라. 나에겐 그 순간이 언제인가 생각했는데 한 명일지라도 공연을 보고 웃어주는 관객이 있을 때였다. 관객이 뭔가 가져갈 때가 행복하다는 생각을 했다. 예술이 없어도 살아는 가겠지만 좀 더 좋은 삶으로 만들어 주는 거라고 생각한다. Q. 주로 이미지적인 연출을 많이 하시는 것 같다.A. 가난해서(웃음). 상상하는 건 쉽지만 돈 버는 건 힘들다. 대관비를 제외하고 제작비를 최대 30만원으로 예산을 잡기 때문에 간단한 틀이나 꼭 필요한 것들만 제작한다. 이야기가 제일 중요하기 때문에 ‘손순’처럼 무대세트를 설치하거나 ‘어둠속에서’처럼 시야를 아예 뺏음으로써 하나의 제약을 걸기도 한다. 그렇게 하면 공연에 통행성이 생겨 이야기 중심에 흐르는 그 언어가 단단히 굳어지고 관객들의 상상력을 자극하는 게 생긴다.Q. 무대작업을 하는 과정을 소개한다면?A. 솔직히 말해 무책임한 연출이다. 다 같이 이야기 안에 여러 가지 이미지들을 먼저 뽑아내 그 안에서 최종 하나를 정해서 어떻게 표현할지를 결정한다. ‘하녀들’같은 경우, ‘나를 비추는 거울’이라는 이미지를 반영하기 위해 거대한 틀을 사용했고 ‘보물상자’ 같은 경우 ‘나를 보호해주는 어릴 적 작은 아지트’를 우산으로 표현했다. ‘어둠속에서’는 처음 모티브는 삼풍백화점 사고의 마지막 생존자에서 가져왔고, 세월호 사고 당시 아이들이 세상을 어떻게 보고 있었을까 하는 생각에서 아예 빛을 없앴었다. ‘손순’에서는 사람과 사람 간의 인연을 붉은 실로, 사람이 가져야하는 잣대, 정신, 정서를 대나무로 표현했다. 이런 것들을 이렇게 하라고 하는 것이 아니라 던져놓고 도망간다. 어떻게 할지 모르니까 알아서 해달라고. 아이디어는 다 배우들이 내고 말하자면 길만 정리한다.(웃음) ||Q. ‘푸른 달’에서 하는 이야기의 소재가 밝지 않은데 이유가 있는지?A. 가지고 있는 정서가 그래서 그런 것 같다. 사실 요즘 다 힘들고 지치는데 이런 이야기는 보러오지 않을 거라는 얘기를 듣기도 했다. 사실 기획자가 ‘손순’ 공연을 하자고 했을 때 망설인 이유도 그것이었다. 하지만 속상한 이야기가 가장 예쁘다고 생각한다. 가장 현실적인 이야기가 가장 비현실적인 이야기고 속상한 이야기가 가장 아름답다. 그래서 그런 이야기를 하려고 한다.Q. 이번 ‘손순’을 통해 관객들에게 전하고 싶은 정서는 어떤 것인가?A. ‘손순설화’는 어렸을 때 충격이었다. 아이들은 모두가 지켜줘야 하는 존재인데 아이를 데리고 산에 간 자체가 충격이었던 거다. ‘어떻게 사랑하는 자식을 죽이려고 하지?’ 그런데 어른이 되니까 그 입장이 이해되는 부분들이 있더라. 사회에서도 그런 일들이 많이 일어나고. 그래서 ‘손순’은 솔직한 현실의 이면에 담겨져 있는 이야기라고 생각한다. 공연이 진행되면 내 이야기가 되는 어느 한 지점이 있을 거라고 생각한다. 모든 인물이 정서적인 장애를 가지고 있지만 유하만은 그렇지 않다. 어른들보다 월등하다. 외형적으로 아픈 아이들은 진짜로 아픈 게 아니다. 그 아이들을 바라보는 어른들의 눈에 장애가 있는 거다. ||Q. 관객들한테 남겨주고 싶은 음률은?A. 연극이 삶의 위로를 준다고 한다. 마찬가지로 내 꿈을 봐주는 분들 덕분에 위로를 받는 지점이 있는 것 같다. 서로 위로하고 위로 받는 존재라고 생각한다. 특별한 트라우마가 있다. 무대 위에서 공연이 발전된다는 것이다. 공연이 올라간 순간부터 미친 듯이 연습을 더 하기 시작한다. 노트를 안 하면 배우들이 화를 낸다(웃음). 노트하다가 관객들한테 혼날 때도 있다. 그런데 노트를 할 때 참 행복하다. 작품이 발전되니까. 관객들이 같은 공연을 여러 번 찾아보게 하려면 엄청난 무언가가 있어야 한다. 공연을 만드는 사람들이 다르게 보여줘야 한다. 조금 변화를 주면 관객들이 봤을 때 조금 더 편하게 받아들일 수도 있지 않은가. 그런 지점들을 잡아내 지속적으로 수정을 해서 마지막 날에는 가장 완성도가 높은 공연이 나와야된다고 생각한다. 그래야 다음에 다시 보일 수 있는 기회가 왔을 때 더 좋지 않을까? 어릴 적 친구가 10년 뒤에 다시 만났을 때 예전 모습이 아니라 발전된 모습이라면 더 좋을 것이다. 그렇게 더 발전된 모습을 보여주면 관객들이 좋아하지 않을까 생각한다.Q. 지키고 싶은 푸른 달의 초심은 무엇인가?A. 어릴 때는 혼자 있어도 행복했다. 누굴 만나도 가식 없이. 참 착했는데 지금은 착하지 않게 된 거다, 닳고 닳아서(웃음). 어른이 되면 솔직히 중요한 게 많아지니까 가정을 지켜야 되고, 돈을 벌어야 되고, 사회 유대관계를 맺어야 되고.사실 고등학교 때까지는 인형들이랑 이야기를 했다. 대학이라는 곳을 들어가자 꿈과 열정을 술이라는 문화랑 바꾼 거다. 어느 날 보니 아무하고도 이야기를 할 수가 없는 거다. 심지어 인형하고도 안 되더라. 그 때 생각했다. ‘아, 이런 이야기를 해야겠다. 진짜 중요한 게 뭔지.’ 어른이 되면서 잃어버리고 잊혀진 이야기를 해야겠다고. Q. ‘디씨인사이드 연극뮤지컬 갤러리(이하 연뮤갤)’에 글을 올리면서부터 시작된 지금의 일을 ‘푸른달의 기적’이라고 한다. A. 연뮤갤에 세 번 들어가 봤다. 그저 우리 연극을 보고 후기를 남겨준 관객에게 감사함을 표현하고 싶었다. 궁금해 하시는 부분을 알려드리고 싶었을 뿐인데 상상도 못했던 일이라 얼떨떨하고 감사할 뿐이다. 솔직히 다들 겁먹은 상태다.(웃음) 저희는 그냥 척박한 땅에서 마른 잎사귀하나 피는 정도로 연명해가고 있었는데 어느 날 소나기가 내리는 거다. “우와! 갈증이 해소 되겠다!” 했는데 장마가 될까봐 두려워하고 있다. 그래도 좋지만.(웃음)폐관은 미뤄졌다. 기적이 일어난 것이다. 하지만 어려움도 여전하다. 그럼에도 감동적이다. 아무것도 바라지 않는 따뜻한 격려가 단비가 되었고, 오랜 시간이 흘러 모든 것이 희미해져도 마음 깊은 곳까지 닿은 따뜻한 온기는 남을 테니까.힘든 것도 행복하다는 박진신 연출의 말을 믿는다. 진심이 담겨있기에 믿어진다. 그 선한 미소와 진심을 계속 만날 수 있도록 기적이 계속되기를 바라본다.